アート旅/旅アート


by kinoppi-cxb
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カテゴリ:展覧会レビュー( 6 )

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島国日本ではほとんどの場合、道を進めばそのうち海に辿りつく。海とともに生きてきた歴史も長く、ほとんどの人にとって海は身近にある存在だ。私もはじめて海を見た時の記憶はない。まったく、ない。であっても海を眼前にした時はいつも、心が揺さぶられる。ましてや大人になって、あるいは物心ついて海をはじめて見るのであれば――。

長崎県美術館で開催の「ソフィ・カル―最後のとき/最初のとき」(2016/2/6~3/21)。作品の1つ『海を見る』(2011年)は、生まれてはじめて海を見た人々の姿をとらえた映像作品だ。日本と同じく海に囲まれたイスタンブールという土地に住みながら、貧しさゆえに海をみたことがなかった人々(しかも撮影された海は、彼らの住む土地から10kmも離れていなかったという)の、はじめて海を見る瞬間が5つのスクリーンに映しだされる。流れるのは波の音だけ。彼らの発する言葉もなく、説明もない。ある人の後ろ姿――涙をぬぐっているような仕草にもみられるが、泣いているのかわからない。ある人の表情――微笑しているようにもみえるし、悲しんでいるようにもみえる。深刻な表情の男性もいる。彼らははじめての海をみて、何を思うのか。海をみているのか、それとも海と対峙する自分をみているのか、あるいは――わからない。わからないからこそ想像する、想像をめぐらす。

フランスの現代美術家、ソフィ・カル。彼女の長年のテーマである「見ること」をめぐる3つのシリーズで構成された本展。順番は前後してしまったが、『海を見る』の前に、生まれつき目の見えない人々に、彼らにとって美しいものは何かを尋ねた『盲目の人々』(1986年)、人生の途中で視力を失ってしまった人々に最後に見たものを語ってもらった『最後に見たもの』(2010年)が、それぞれ展示室別に展示されていた。

とても個人的な体験談であるが、我が家の娘は超低出生体重児(超未熟児)として生まれた。超低出生体重児は未熟児網膜症がかなり高い確率で発生する。現代の医学では、治療によって失明に至ることは多くはなくなってきたが、それでも未熟児網膜症が原因で視力や視野など目の問題や不安を抱えている人も決して少なくはない。娘のご縁で出会った早産児の会でも、お子さんの目の不安を抱くご家族にも多く出会った。身近に目の見えない人はいないが、目が見えないこと、目が見えなくなることは、遠い話には感じられず、だからこそ『盲目の人々』、『最後に見たもの』で人々が語る言葉は、深く、深く胸に浸透していった。そして、考える。目で見る、心で見る、「見ること」の行為は1つではない、と。

そして最後の作品『海を見る』にたどりつき、感情のさざ波がまたやってくる。せつないのか、哀しいのか、泣きたいのかなんなのかわからない。繰り返し波立ち、どうしようもない気持ちで、息苦しくなってしまう。だが、最後の最後の展示作品によって、水中から出てようやく空気が吸えたような、息苦しさから解放される。自らを制して制して、解き放たれたかのようにはしゃぐ姿の子どもたちの映像によって。

蛇足だが、本当に最後に展示されてある、ソフィ・カルと杉本博多の共同作をエピローグにもってきているところがまた秀逸で。作品はいわずもがなだけど、展示構成も非常に素晴らしかった。
さらに蛇足だが、会場で配布されるリーフレットも、最後の本展についての解説文まで熟読必須だ。

それにしても、観覧から2週間が経とうとするが、時おり、ふっとこの展覧会が頭をよぎり、「見ること」に再び、何度も思いをめぐらしている。こんなに長く気持ちを引きずる展覧会は久しぶりだし、まだ、しばらく長く気持ちが引きずられそうだ。



ソフィ・カル―最後のとき/最初のとき
2016/2/6~3/21
会場:長崎県美術館
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by kinoppi-cxb | 2016-03-15 10:36 | 展覧会レビュー
初めて彼女を取材させてもらったのは、確か1997年の夏だったと思う。写真家・野村佐紀子。毎年夏にアートスペース貘で展覧会をおこない、新作を発表している。新作を発表するというのはアーティストにとって非常に肉体的にも精神的にも労力を使う、大変なことだと知っている。しかし、彼女はそれを毎年続けるうえに、毎回違う印象を与えてくれる。彼女の作品はもちろんだが、彼女の持つ無限の表現力に魅了され続けている。

3月3日に始まった今回の展覧会の会場は、アートスペース貘ではない。BAR & WHITE SPACE ONEという、初めて訪れる場所だ。バーと聞いていたので、てっきり店内の壁の空いたスペースに作品を飾っているのかと思いきや、入口側すぐの手前のスペースがギャラリーのような立派なホワイトスペースで作品はそこに展示されていた。

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事前に作品は24×20インチの巨大アナログインスタント写真(いわゆる「ポラロイド写真」)と知っていたが、インチの単位がいまいちピンとこなかった。会場に着き、展示された写真に「で、でかっ!」と驚いた。なんでも撮影したカメラは世界に3台しかないもので、約200kgの重さというオバケのようなカメラだとか。撮影するのも、現像するのも非常に時間と手間がかかるという。当たり前だ。会場には、このカメラで撮った写真作品6枚が展示されているが、撮影は半日がかりでおこなわれ、撮った写真はきっかりこの6枚だけだったという。

貴重なカメラを使っての撮影。しかも撮影は大仕事であり、さらにインスタントフィルムゆえ焼き増しできずオリジナル写真はたった1枚しか存在しないことになる。「カメラの存在は重要です。もちろん撮る時の気分は、いつもとは異なりました」と野村佐紀子。「でも何より被写体との関係性が大きく違いましたね」。被写体は、子ども。子どもは集中力がすぐに途切れてしまう生き物だが、半日続いた撮影にも関わらず、「彼も私も互いに、ずっと真剣に向き合った」と言う。

ポラロイド写真は、時が経つにつれ色が褪せていく。このオリジナル1枚のみの巨大インスタント写真もいずれ、消えゆく運命にある。訪問時、まだ現像液は乾ききってなくて、じわじわと被写体が浮かび上がっているのか、それとも逆に消えていっているのか、なんとも言い難い感じだった。写真は記録性が強く時を止めるものでもあるが、この作品に至っては進みゆく時を目にするような感じを覚えた。見えない時間の流れを見るようで、なんとも切なく、そして少し怖くもあり……心が揺さぶられ、目がしらが熱くなる。
一方で、被写体の子どもの強く真剣な眼差しに“未来”を感じ、切なくキュンとなった胸に、次に温かいものが流れてくる。
胸がキュンとなったり温かくなったり、泣きそうになったり微笑みそうになったり。感情のカオス。しかし、複雑でぐちゃぐちゃしたものでなく、心地よい混沌さ。

野村佐紀子に驚かされ、胸を動かされるのはもうこれで何度目だろう。しかも、今回の驚きと感動はかなりのビッグウェーブだ。そしてまた、私はますます彼女に魅了される。

e0101090_051579.jpg小さい、というか普通サイズのポラロイド写真作品もあわせて展示されている。奥のバーもとてもいい空間。ここでシャンパン飲みながら、作品をゆっくり鑑賞したい……。

※同時開催でほか市内4カ所にて野村佐紀子の写真集をテーマにした写真展も開催されている。各会場、それぞれのオーナーが気に入った写真集を選び、そのオリジナル写真を展示。野村佐紀子の写真集を巡る展覧会というわけだ。


「instant film」野村佐紀子写真展
2012/3/3~4/7
会場:BAR & WHITE SPACE ONE
詳細はコチラ
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by kinoppi-cxb | 2012-03-23 00:56 | 展覧会レビュー
展覧会準備が着々と進められていた昨年12月に、企画者の学芸員の竹口さんに取材をさせていただいた。伝統工芸に造詣の深い竹口さんが、「おっ」と思ったという10組の作家たちを紹介するという。「糸の仕事、布の仕事、作品がもつそもそもの魅力だけでなく、作品から滲み出るその人たちの生き方・“いのちの世界”を伝えたい」と、出品交渉はもちろん、彼らのロングインタビューも行なった竹口さんの言葉の一つひとつ、その奥底に熱いものを感じた。「(作家の一人)上原美智子さんの布はとってもとっても薄いんだけども、掌に乗った瞬間、ふわっと温かい。触れることによって関係が開かれる。糸と布って、人間の生に寄り添う力があると思う。その部分を伝えられたら」。こんな話を聞いたら、そりゃおのずと期待は高まるでしょ。

そして開幕後、知人や他メディアからよい評判が伝わってきた。あまり期待しすぎてもよくないな~なんて思いながら会場に向かったのだが、はいゴメンナサイ、その心配はまったくの杞憂でございました。

【以下ネタバレ】
最初に展示されていたのは、竹口さんが説明されていた上原美智子さんの布。「コレハホントニヌノナノカ?」。驚きのあまり、脳内の日本語変換が微妙になる。なんとも繊細な、薄い、薄い、薄い手織りの布。「あげずば織」。「あげずば」とは琉球の言葉で「蜻蛉」を意味するそうだ。その言葉どおり、まさに蜻蛉の羽のように、重量をまったく感じさせない。天井から吊り下げられた作品は、私が歩くだけで「ふぅわ」っと揺らぐ。歩いて生じる空気の振動で揺らぐ、それほどの軽やかさなのだ。俗っぽくて申し訳ないけど、「ハリーポッターの“透明マント”を凌ぐ軽やかさかも」、なんて思ってしまった。とにもかくにも、我々の周りにある「空気の存在」までも伝わってくる。

堀内紀子さんの「編による造形」も、同じように「空気の存在」を感じさせてくれる。こちらは視覚的に。宇宙的な深みをもつ福本潮子さんの藍染、何層にも絵具を塗り重ねた抽象絵画のような志村ふくみさんの重厚なる紬織、もはや手技の域を超えた鈴田滋人さんの木版摺更紗……一人ひとり(組)の作品の感想をあげればきりがない。

展示の仕方によってはその魅力が半減することもあり、逆に作品の真髄がさらに観客へと伝わることもある。今回、美術作家の坂崎隆一さんが会場構成を手掛けたことにより、まさに後者の効果を得ていた。それぞれの作品にすうっと向き合え、じっくりと彼らの手技が堪能でき、魅力が存分に伝わってくる。作品点数はさほど多くないものの、「もっと見てみたいなぁ」と、これから先も出品作家たちへと引き続き興味を持たせる腹八分目の点数は、私にとってはちょうどいい。

各作家たちの略歴と、解説の代わりとなる引用文もぜひじっくりと読んでほしい。簡潔な短い文章にもかかわらず、各々の作家たちがどう作品と向き合っているか(きたか)、また作家たちの人となりまでも感じることができるのだ。彼らのように作品を作ることはできないけれど、その生き様を知ることは、これからの人生の参考になる。そう思った。
展覧会図録には、竹口さんによる各作家のロングインタビューも掲載されている。テープ起しすると各作家およそ20000字あったものを、約5000字に編集しなおしたものだという。こちらを読むと、さらに作家たちの生き様が垣間見られるだろう。読むのが非常に楽しみだ。


「オギャ~」と産まれ、産着を身に着けてから、死ぬまでの長い間、我々人間は布を纏っていきていく。会場に飾られたもののように立派なものはもちろん手に入れることはできないが、折り返しを迎えた我が人生、時々は、気持ちよい・心地よいものを自分の身体に纏ってあげようと思った次第。展覧会「糸の先へ」。糸から、布から、その先へ広がるもの……私がその先にみたものは、広い意味での「人生」だった。ん……? 「糸と布って、人間の生に寄り添う力があると思う」と言っていた竹口さんの思惑に、まんまとはまってしまったわけだな。

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展覧会図録とチラシ。チラシは広げると大判になる。表面の糸を表した線画は、デザイナーの手描きによる渾身の仕事! 裏面には竹口学芸員による1700文字ものテキストが。











糸の先へ
いのちを紡ぐ手、布に染まる世界

2012/2/4~3/11
会場:福岡県立美術館
詳細はコチラ
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by kinoppi-cxb | 2012-02-24 15:23 | 展覧会レビュー
今年は秋が長かった。時に小春日和な日もありなかなか冬の到来を感じられなかったが、ここ数日で急に冷え込んできた。寒いのはニガテだし、日が暮れるのも早くすぐに暗くなるのも好きではない。が、ピンと張りつめた空気感や、太陽が早く沈むゆえの早い時間からの静寂の始まりは、嫌いではない。暗くなるのが早いと、活動が鈍ったり停止したりする分、冬明けに備えて身体や脳ミソが準備するような感覚になるのが、生き物の本能的な感じがして心地よい。
……という気持ちを漠然と前々からもっていたのだが、今回、武内貴子さんの作品を見て、また話を聞いて合点がいった。

11月20日にアーティスト・トークが開催。武内さんは精力的に作品を制作・発表しているアーティスト。彼女の作品はこれまで何度も見てきたし、本人とも面識があるけれど、実はコンセプトなどきちんと話を聞くのは初めてだった。
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天井から吊り下がる無数の赤い布の「結び目」のレイヤー(層)。少し横から眺めると、下部は半円の弧を描く。毎年12月にやってくる「冬至」と、キリストの誕生日である「12月25日」をテーマにしたという作品。半円の弧は、地平線から半分だけ顔をのぞかせる太陽の形と同じだ。朝日が希望を象徴するのは言わずもがな、武内は夕陽も「陽が沈んだら、明日がやってくる」と未来へ向かうイメージと話す。チラシに書かれている作品の説明によると、冬至は「冬が終わり、春が来ることを告げる日とされている」、そして12月25日は「“一度は闇に覆われかけた世界に再び光が生まれ変わること”を象徴する日」なのだとか。
私の解釈を一言で表すならば「再生」だ。「リセット」と言ってもいいかもしれない。例えば樹が、一年を通して芽を出し、花を咲かせ、実を実らせ、葉を茂らせ、葉を散らせ、そしてまた芽吹く……と毎年リセットしながらその生命のサイクル繰り返し、ある一定の時期まで、強く、たくましく育っていくように、人間も冬の時期にリセットしているのかもしれない。そう感じさせられた。

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無数の布に紛れところどころに赤いリボンが結ばれている。ピシッとした「結び」のなかにある「ほっ」とする「間」。














トークでは、作品の素材とする布に蝋を染み込ませる工程、複数の意味をもつ「結ぶ」という言葉への想いと表現、「結」を基本に展示空間・場所・テーマによって変化を遂げる造形や色……などについて、過去作品とも照らし合わせながら話してくれた。
ちなみに今回の「赤」は、太陽やクリスマスをイメージさせる狙いはあるものの、そもそも彼女が原点から大切にしてきた色でもある。武内さんは、学生時代から着物の帯の「結び」に美を強く感じ、その着物姿の女性をさらに美しくするのが紅の「赤」であり、その色に強く惹かれているという。赤は時には強すぎてえぐくなることもあるが、一方で、冬の寒い今の時期には温かみと生命力を強く感じさせる。また、ファッションビルの中では、空間の演出・彩りにはとても効果的な色だ。

トークの中で、なるほどと思ったエピソード。白い結びの作品を青森で発表したときの話。地元の人は「ボタ雪のよう」と言う人が多かったのに対し、同じ作品を北九州の人が見たときに「素麺を干しているみたい」と言ったそうだ。この事に対し、「土地によって見る人の印象が異なっていた。作品を見るとき、人は自分の経験に重ねるんでしょう」と言った武内さんの解釈に共感した。ちなみに私は彼女の作品を見るたび、神社をイメージする。まぁ、単純におみくじのイメージと結びつけいるんだろうけど……つくづく、日本の国に生まれた人である。日本文化をまったく知らない人と武内さんの作品を一緒に見てみたくなった。

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会場は3~5階の吹き抜け。4階、5階からも作品を眺めてみよう。違う表情を見せてくれる。















九州アートゲート 博多アートステージVol.3
武内貴子

2011/11/18~12/25
会場:アミュプラザ博多3階センターコート(吹き抜け)
詳細はコチラ
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by kinoppi-cxb | 2011-11-26 00:41 | 展覧会レビュー

北九州に行ってきた

福岡(市)から新幹線で北九州へ。片道たったの20分弱。しかし、土日割引とはいえ往復3000円。頻繁に訪れるには、懐が痛い距離。ということで、現在開催中の「北九州国際ビエンナーレ2009」と「街じゅうアート」を抱き合わせて北九州に行ってきた。
まずはビエンナーレのメイン会場のある門司港へ。12時からの開場なので、正午前に到着し、門司港名物の「焼きカレー」を食べる。これもそう、抱き合わせの一つ。駅前にはいくつか焼カレーの店が並び、悩んだ末に某アイドルがおすすめした某店へ。ここはルウがサラサラ系。おいしかったけど、もっとネットリしたのが食べたかったなぁ。前に食べた2軒隣のビル最上階にあるレストランの方は香ばしく私好み。次回は、そこへ行こう……って次回はいつになることか?


北九州国際ビエンナーレ2009 「移民」
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旧JR九州本社ビルをメイン会場とするビエンナーレ。建物の古さは半端でなく、中に入ると、使われてない建物がもつあの独特の空気感。身体がぞわぞわしてしまう。
作品はほとんどが映像で、今回の「移民」というテーマそのものに、移民の多く住んでいる(いた)いくつかの国・土地の映像が、音もなく、画面をたゆたうように静かに流れ続けていく。
それぞれに映し出される場所は違えども、映像のリズムに統一感があったので、作家名を確認したら、ほとんどの作品に「キャンディ・ファクトリー」が絡んでいた。「ビエンナーレ」という名称だけに、いろんな作家の手法や表現を見られると思っていたけど……。「まるでキャンディ・ファクトリー祭りやね」と、一緒にいった友人と苦笑。

小倉にあるもう一つの会場「ギャラリーSOAP」の方では、おなじみの北九州の新旧の街並みの映像が流れていた。そもそも、北九州・門司が「移民」の歴史をもつ土壌であることから今回のテーマが生まれたと聞いたことを思い出す。
出展作品全体の印象が、いろんな要素があいまって必然的に内から外へと出したいという強い意思のもの生まれたものではなく、テーマにそって内容を構築していくような論文的な作り方だなぁと、私には感じられ、頭で対話しようとしても心が揺さぶられはしなかった。しかし、前もって「移民」と北九州の関連について聞いていたんだから、私も、あらかじめ北九州の移民についてある程度調べてくれば、もっと、この展覧会に関して感じるものが違ったかもしれない。
今回のビエンナーレでは、展覧会だけでなく、シンポジウム、トーク、映画上映などの要素も含まれる。美術展という1つのアプローチからだけでなく、いろんな側面から、本展のテーマ「移民」を考えるという寸法だ。つまり、見る側も積極的に動いたり、考えたりしないといけない。そうすることで、ようやく今回のビエンナーレと向き合える……そんな気がした。
昨今、私たちは見せる側から当然のようにイベントを提供してもらったり、分かりやすくテーマに導いてもらうというあり方を求め、またそれに甘んじている状況だ。常に満腹状態では、栄養も吸収しないし、神経も麻痺してくる。見る側にとっても積極性が求められる、ハードルの高いこのビエンナーレ。私は満腹状態で挑んだためにさほど美味しさを感じなかったが、ハングリー状態で挑んだとしたら、もしかしたら、酸い、甘い、苦い…もっといろんな味が広がった可能性があったように思えた。



街じゅうアート in 北九州2009 ‐産芸ものがたり・前編‐
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訪れた日は富永剛のワークショップが行われていた

「街じゅうアートin北九州」は、企業(=産業)と作家(=アート)がコラボレートした作品を鑑賞しながら、街を回遊するというアートプロジェクト。来年大がかりな展示を行う予定であり、今年はメイン会場のリバーウォーク北九州5階のアートラウンジのほうで、来年のための作品プランがパネルで展示されていた。実際の作品展示はないけど、プラン図と説明文によって各アーティストのアイデアに触れることができるので、これはこれで非常におもしろい。しかもまだ実現できるかどうかも不明な段階でのアイデアもあって、「ほんとにこんな作品できるの~?でもできたらめちゃめちゃおもしろそう」と笑い半分、期待半分。特に牛島均のプランが私にはツボで笑えて……ほんと、実現したらいいのに。
さっきのビエンナーレの話と似てくるけど、来年のその大がかりな展示を見に行くならば、今回のこのプランは見ておいたほうがきっと、もっと来年が面白い。さて、どのプランが、どの程度計画どおりに実現するか?ちょっと意地悪な視点で、私は楽しむことにしよう。


余談だけど、小倉では旦過市場でイワシのぬかみそとサキイカを買い、シロヤベーカリーでサニーパンほかを購入。北九州への旅、“抱き合わせ”過ぎ!(ここにハングリーになってもねぇ。笑)


北九州国際ビエンナーレ2009 「移民」
開催中~11/15(日)
会場:旧JR九州本社ビル(門司)/ギャラリーSOAP(小倉)
詳しくはコチラ

街じゅうアート in 北九州2009 ‐産芸ものがたり・前編‐
10/10(土)~30(金)
会場:リバーウォーク北九州5階アートラウンジ、ほか
詳しくはコチラ

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by kinoppi-cxb | 2009-10-29 10:59 | 展覧会レビュー
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深呼吸したくなる。すうっと呼吸してしまう。
襖や障子を開ける前、ひと呼吸置くのはなぜだろう。ドア(扉)ではそんなことはないのに。
襖が並ぶこの作品で、幾度も幾度もすうっ、すうっ。
幼いころから身体に染みついている、“日本”的な感覚が蘇る。いや、もしかしたら、古来より脈々と受け継がれてきた“日本”の感覚が呼び醒まされたのかもしれない。

襖で区切られたいくつかの空間。順路はなく、好きな襖を開き、好きなように空間を歩いて回れる。台湾人アーティストのマイケル・リンがデザインした襖の絵柄は、台湾のテキスタイルでよく使われるような、台湾の伝統の模様に基づいたもの。日本のそれとは近いものの、やはり異なる。
“日本”をこの作品から感じるのは、絵柄からではなく空間から。
展覧会の英タイトルは『room』だが、和タイトルは「部屋」ではなく、『間』と訳している。言葉の妙。あからさまではなく、まさに、そんな微妙な感覚で“日本”を感じるのである。
マイケル・リンが、この作品に日本を意図したのかしなかったかはしらないが、私は、自分がもっている記憶の旅へ、彼によって導かれたのだ。
ギャラリーにいながら、私は、実家の仏壇のある広間を通り、納戸への襖を開けている…。

展覧会には2度訪れた。1度目は1人で、2度目は友人2人と一緒に3人で。
1度目は自分がどの襖を開き、どう空間をさまようかを意識した。
2度目は、友人たちの行動を見ているのがおもしろかった。
まんまと作品に翻弄されているわけだけど、実はそう、わざと翻弄されているのだ。

とても曖昧な感想になってしまった。。。だけど、はっきりとした言葉が見つからない。
レビュー記事としてはまだまだだなぁ・・・と思う反面、マイケル・リンの『間』に、明確な意見が似合わないような気もしている。


マイケル・リン展 『間』
開催中~10月11日(日)

http://artium.jp/exhi/


襖の絵柄を合わせると、襖の重ね具合が日本式ではないんだね。
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by kinoppi-cxb | 2009-09-27 23:36 | 展覧会レビュー